Voci soavi e suoni rilassanti condurranno il pubblico in un viaggio audiovisivo sensoriale attraverso un distopico futuro prossimo. Il lavoro si basa sull’esplorazione di paure e tribolazioni intime legate alle attuali narrazioni sul cambiamento climatico, rappresentate attraverso l’implementazione dei metodi sperimentali ASMR presentati durante il workshop “ASMR for earthly survival” tenuto dal collettivo. “ASMR for earthly survival” esplora il potenziale dell’ASMR (Autonomous Sensory Meridian Response) come strumento per la creazione di intime narrazioni fantascientifiche.

Il Collettivo Post-Bio-Internet esplora ambienti naturali e virtuali attraverso azioni partecipative, indagando l’influenza dei fenomeni online e dei loro sistemi di rappresentazione nella percezione della nostra realtà fisica. Questa nuova soggettività collettiva virtuale ci offre nuove possibilità poiché promuove l’idea che oggi – come Joseph Beuys aveva previsto – tutti sono artisti, assegnando così un nuovo ruolo alle immagini condivise e a chi le produce. Il Collettivo Post-Bio-Internet abbraccia il potenziale creativo della cultura online come fonte di materiali per la creazione di nuove cartografie della soggettività da cui si affermeranno nuovi valori.

The Beginning è la puntata pilota di una serie progettata dall’artista e presentata per la prima volta alla chiesa di San Giuseppe delle Scalze a Napoli in occasione della sua mostra personale Introitus (Parte del Tutto), curata da Bite The Saurus (Enzo Di Marino e Dalia Maini). La serie ricalca i codici linguistici propri del format televisivo seriale e ripercorre, attraverso una meta-narrazione, la creazione e la storia del linguaggio umano. Nella prima puntata un narratore affronta il tema dell’origine dell’universo. Le immagini caratterizzate da componenti home-made – rappresentazioni infantili ma anche esperimenti casalinghi – portano il fruitore a mettere in discussione il linguaggio umano e la sua aderenza con la realtà.

Portare a sé il corpo dell’altro, vestirsi e prendersi carico delle tracce del tempo, del movimento, degli incontri e degli scontri che inesorabili modificano la materia. Armature in cera che, con semplici gesti, vengono rigenerate, curate e reindossate durante la performance “Vita come saliente avidità – cura”. Il video è una documentazione ibrida, in slow motion, della performance presentata in occasione del Festival Ex Machina, a Scicli, all’interno dell’Ex Convento del Carmine, evento organizzato dalla realtà indipendente Site Specific e dalla galleria aA29 Project Room, a settembre 2020.

TUTTI SIAMO IMMAGINE

Intrappolate all’interno di superfici e schermi le cose e le persone sono uguali, immagini.

Ci osserviamo attraverso le macchine fotografiche più che negli specchi e ci ritroviamo in versioni moltiplicate.

Le immagini sono tutto, tutte le cose e tutte le situazioni.

Le fotografie e il cinema ci hanno insegnato situazioni particolari e modelli di vita, però ciò che resta di vitale nel cinema si trova sui margini.

Ora siamo versioni, gli uni e le altre, di immagini che sono versioni di noi, senza raggiungere nessuna simmetria.

La nostra possibilità di intervento sembra minima, però è ancora possibile agire, scappare dagli schermi, o infiltraci in essi.

Per farlo dobbiamo abbandonare la condizione di spettatori. Ora siamo tutti attori per altri attori, senza nessuno spettatore.

Senza che nessuno ci osservi, aspettiamo nell’ombra, attendendo una connessione, un vincolo, un destinatario, uno solo, che serva da collegamento per moltiplicare, qui e là, l’inatteso.

Se le immagini stanno ovunque dobbiamo muoverci con esse, tra di esse, occupare spazi intermedi.

Né qui, né lì c’è posto per noi, per questo ci muoviamo come le immagini.
Da loro impariamo quello che vogliono insegnarci e scopriamo un eccesso di informazione che non si lascia ridurre, tutto quello che sembra restare e che si infilò tra le immagini, travolgendo le prime intenzioni, quello che sembra fuorilegge,quello che non hai visto quando ti dissero guarda¡.

Il mondo è accidentale, una contingenza, l’incontro unico di elementi e avvenimenti nello spazio-tempo moltiplicato.

Prendiamo le immagini come il luogo delle infinite possibilità e con un gesto distruttivo vogliamo portare al centro la precarietà che le agita.

Non esistono immagini senza azione e tutto ciò che facciamo esiste perché la macchina fotografica registra le nostre azioni. Ora tutti hanno una videocamera in tasca ed è necessario usarla, recitare. Vogliamo intervenire e muovere noi le videocamere.

Per questo stabiliamo il seguente protocollo:

1.L’attore e l’autore saranno la stessa persona, di modo che nessuno ignori i segreti della videocamera né i rischi di recitare.

2.La videocamera sarà una parte inseparabile del nostro corpo,come una protesi. La videocamera è il nostro corpo. Respira e cammina con noi, sale, scende… con noi. È intima, pubblica, quotidiana… Va dove andiamo noi e noi andiamo verso le cose.

3.Non registreremo nulla più in là della distanza del nostro braccio, per registrare dobbiamo avvicinarci alle cose, toccarle.

4.Rivendichiamo l’uso dei 25mm.

5.Noi siamo in scena, siamo la scena. Ci muoviamo in essa guardando la videocamera e non l’obiettivo.

6.Occupiamo l’inquadratura di un immagine sempre incompleta. Ci situiamo nell’inquadratura per contattare con altri attori, in altre inquadrature, in altri mondi, alleati senza saperlo nella possibilità aleatoria del significato.

7.Cerchiamo nelle immagini il potenziale narrativo dell’eccesso, quello che non si trova nelle mappe né nei tracciati determinati.

8.Imprimiamo in esse la nostra forma per deviarle dai loro obiettivi, per confondere i loro propositi…

9.Adottiamo una forma in transizione che risvegli il fantasma di un’altra immagine all’interno delle immagini.

10.Se le immagini si moltiplicano le azioni dovranno moltiplicarsi con noi.

11.Se le immagini si ripetono ogni azione dovrà ripetersi più di una volta.

Robert Pettena, sempre consapevole della continua trasformazione della vita sociale, ha portato alla luce la discrepanza tra le nostre diverse aspirazioni, i nostri bisogni opposti e contraddizioni. Ma ha detto che non c’era bisogno di risolvere o rimuovere questa complessità. Al suo interno c’era una ricchezza che potevamo assecondare e soddisfare.

Nel passaggio tra un utente e l’altro, come in un macro organismo, i linguaggi e i data diventano eterni remix di una stessa informazione. In un eterno Abduction dello user. Allo stesso modo potremmo ballare all’infinito sullo stesso loop per giorni inseguendo un hashtag di rito su TikTok.

“Tutorial #2: How to Cruise with a Bruise” è una performance che usa il gesto comune di truccarsi per ribaltare la logica dell’occultamento e l’ostentazione pubblica del privato. Il pubblico è invitato a prendere parte alla performance, in cui due promoter illustrano come creare lividi con il trucco e soprattutto come sfilare con un livido. Il titolo è ispirato da un articolo del Daily Mail “Boy George is ‘cruising with a bruising’ at the Brits” che criticava la star per essersi presentato ai Brits Award 2014 con un finto occhio nero definendosi una “fashion victim”. La performance è accompagnata da una colonna sonora Harsh Noise che crea un’atmosfera in contrasto con l’estetica patinata da backstage.

Real Chernobyl tenta di ricostruire le vicende e i movimenti di Tomas Garenq, l’uomo che ha venduto alle tv americane ABC e NBC i primi video del disastro di Chernobyl. Le immagini prodotte da Garenq si rivelarono presto un falso girato nella periferia di Trieste. Nel tentativo di rintracciare Tomas Garenq, il video ripercorre i luoghi del suo falso: l’acropoli sanitaria di Cattinara, il quadrilatero di Melara, fno alle camere d’albergo del centro di Trieste dove Garenq soggiornò e tenne le trattative con le televisioni americane. Il video è stato girato nell’estate del 2019, nel giugno più caldo mai registrato. È l’estate dell’emergenza climatica, delle tv che trasmettono la serie ‘Chernobyl’ e delle foreste che iniziano a bruciare.

Nel 2019 il governo albanese, presieduto da Edi Rama, approva la costruzione di un nuovo teatro e l’abbattimento di quello esistente, costruito nel 1938 dall’architetto italiano Giulio Bertè. Edificio che inizialmente era stato pensato per essere un centro policulturale e sportivo e che venne destinato a polo teatrale nel 1947. Il progetto del nuovo teatro ha scatenato numerose polemiche fin dalla pubblicazione della notizia, perché sembrava figlio di una speculazione edilizia. Diversi attori, registi, politici e cittadini hanno dato vita anche ad un gruppo organizzato per la difesa del teatro (Aleanca për mbrojtjen e teatrit), e occupando fisicamente l’edificio fino al momento del suo abbattimento, nel giugno 2020.

Zanafilla (l’origine in lingua albanese) nasce nel 2019 proprio nel momento in cui le proteste per l’abbattimento del teatro, assumono la forma dell’occupazione dell’edificio. Edificio che era diventato un “personaggio” di cui ogni parte in causa ne descriveva i tratti, sottolineando quegli aspetti che interessavano di più, a seconda che si fosse pro o contro il suo abbattimento. L’argomento centrale era la sua età, gli uni dicevano che era vecchio e malandato, senza alcuna possibilità di restaurarlo, gli altri dicevano che a dispetto della sua età, l’edificio poteva essere salvato e gestito in un altro modo, anche attraverso un restauro. La cosa che mi ha colpito era proprio l’uso dell’età dell’edificio del teatro, come un argomento centrale nella discussione. Così nasce l’idea di questo film, in cui la videocamera indaga appunto il corpo vecchio e martoriato del teatro, in parallelo al corpo giovane e pieno di vita di una ragazza, che si trova in un altro luogo che all’inizio non riusciamo a definire. Ad un certo punto la scena si apre e la protagonista femminile, viene rivelata completamente in una vecchia fabbrica fatiscente, con in mano un carillon, che la aiuta nel tentativo di mettere in metrica una ninna nanna. La nenia, in lingua albanese, nasce da una mia richiesta a diversi intellettuali, filosofi, artisti locali, di scrivere “una rima per la ninna nanna del teatro” con la metodologia dell’Exquisite corpse, quindi nessuno di loro sapeva cosa aveva scritto l’altro e chi fossero gli altri. Le condizioni fatiscenti della fabbrica potrebbero far pensare che la ninna nanna sia dedicata a quello spazio, in realtà attraverso le parole, lo spettatore crea immediatamente la connessione spaziale e temporale con l’edificio del Teatro. Visto che l’argomento centrale era sempre l’età della struttura, volevo creare questa situazione di ambiguità e lasciare la connessione tra i due luoghi e tra i due soggetti alla potenza lirica del testo. La mia intenzione attraverso questo lavoro, era quella di ribaltare la modalità per cui, di solito sono i vecchi che cantano la ninna nanna ai giovani. Rovesciando le posizioni, quella canzone suona anche come un requiem, come un estremo saluto. Purtroppo è stato profetico in questo senso, la situazione lasciava presagire che sarebbe accaduto, anche se fino alla fine si è cercato di evitarlo, forse più a livello popolare che non politico.

Nel 1966 il filmmaker Hilary Harris, noto pioniere della timelapse photography, creò il film Nine Variations on a Dance Theme, nel quale la danzatrice Bettie de Jong interpreta una variazione di 50 secondi, filmata in 9 modalità differenti. RED Variations on a Dance Theme è un esercizio filmico che mette in relazione la frammentazione dell’immagine in movimento con la continuità del fluire della danza.

Il lavoro si compone come traccia di ricerca visiva di una forma-processo che vede il latte come protagonista trasversale del processo di creazione della vita umana e del tentativo di continuità di essa.

L’animazione It shapes us si interroga sull’interazione fra immagini, immaginario e identità, studiando le implicazioni del machine learning sulla formazione del sé. La personalizzazione dell’ambiente online, sempre più gestito da algoritmi, comporta una modifica nel visibile quotidiano e di conseguenza un’alterazione nella percezione del sé. In questo video infatti, non sono solo le immagini ad adattarsi alle scelte personali fatte, ma anche, in maniera impercettibile, i tratti somatici dei personaggi. Partendo tutti da una stessa base, i tre visi subiscono una mutazione fisica che rispecchia gli stereotipi proposti delle immagini e della loro classificazione all’interno del sistema tecnologico.

Furthest East è un cyberspazio d’azione libero da specifiche peculiarità burocratiche e da qualsiasi altra restrizione. Chiunque può vedere Furthest East in cose, luoghi, parole diverse; lo spazio d’azione è in costante esplorazione, ma soprattutto è puro mutamento. È un territorio di compromessi dove tutto può esistere, un sogno che ha il preciso obiettivo di contenere tutti gli altri, per scoprire nuovi nodi e connetterli. Non è un’alternativa, perché non esiste possibilità di scegliere; non serve il corpo perché l’attività cerebrale può essere registrata e riprodotta in ogni istante.

Ho interpretato il territorio come una tele bianca, dove per mezzo di video e fotografie ho elaborato delle performance rivolte alla perdita dei punti di riferimento. Così ho definito alcune ascese tra le vette più alte dei monti della Laga durante delle tormente di neve. Sono partito volutamente senza alcun mezzo che mi fosse di supporto ad orientarmi. Durante questo percorso ho prodotto alcuni scatti fotografici, cercando una dimensione visiva quasi interamente neutra. Successivamente ho elaborato un’altra azione definendo un tracciato all’interno di un bosco in notturna, anche in questo caso ho optato di non utilizzare mezzi d’orientamento: ho camminato all’interno del bosco in un’unica direzione per circa un’ora.

Camminare atto e icona del conoscere. A piedi nudi, da via San Biagio dei Librai 112 ( dove ha vissuto Giambattista Vico) a via Pasquale Scura 8 (sede della galleria) , affrontando le insidie di un suolo che richiederebbe la protezione di una calzatura. La scelta di conoscenza diretta anche sensoriale chiede coraggio, chiede di vincere paure naturali, chiede di esserci, essere totalmente, in attenzione, nella strada che si sta percorrendo. Il piede nudo è al tempo stesso abbandono di ogni difesa ma anche estrema antenna, totale sensibilità, esposta, apertura. Camminare a piedi nudi, per sentire, abbandonando la paura del dolore. Abbandonare la paura del dolore per meglio conoscere.

Durante la quarantena l’essere umano è stato costretto in determinati spazi, abitazioni, giardini, stanze, ma tutti quei luoghi sono stati isolati dalla civiltà, al fine di limitare il virus pandemico, obbligato a cercare un nuovo modo di vedere il mondo e di far parte di una società. Internet e le webcam sostituiscono il reale: nasce un nuovo metodo per riempire la nostra sensazione di essere parte di qualcosa. Questo loop è una metafora del presente. Una figura antropomorfa ripete continuamente gli stessi movimenti, in un limbo indefinibile, dove tutto è bloccato nel tempo e nello spazio. Il soggetto ripete come noi la stessa routine ogni giorno, cercando di svincolarsi da una situazione vincolante.

Ho selezionato dagli Archivi Militari Americani alcuni frammenti di immagini delle ultime fasi della liberazione della città di Vergato (Emilia-Romagna), avvenuta nell’aprile 1945. I fotogrammi rappresentano una soffice e delicata nube di fumo (che ricorda vagamente anche la forma di un fungo) derivante da un bombardamento del 17 aprile. Mi sono chiesto se esiste una possibile relazione significativa, sotterranea, tra il ricordo dei tanti che hanno vissuto quegli eventi traumatici e ciò che si innesca con il luogo di origine di ciascuno di noi nell’attualità del presente. Passato e attualità si intrecciano materialmente in un audio derivante da un mix di suoni registrati con una videocamera appartenenti a macchine meccaniche, e mixate da me. Il video è stato proiettato e successivamente nuovamente registrato con la videocamera.
Ascolto e visione vengono così volutamente distorti in un processo di condensazione di tempi storici differenti: passato e presente – alla ricerca di un futuro incerto avvolto dalla nebbia di una grande nube grigia (Federica Fiumelli)

È una video confessione a una madre, di tutti i segreti da cui si nasconde, ma da questa confessione tutte le parole sono state deliberatamente tagliate, il che mostra le emozioni nel solo pronunciare le parole senza conseguenze.

The two short animations “Ping Pong” and “Rocks” are part of an ongoing body of work concerned with constructed realities. Inspired by my surroundings, I create fictional, curated scenes that span the divide between the natural and built world. The media I use cross-reference each other: in this case I have taken fragments of existing drawings and repurposed them into animated form, which itself is then referenced again by a different sculptural piece. Through this process I am interested in exploring perceptions of familiar environments and our sense of place within them.

L’utilizzo delle virgolette è stato introdotto in filosofia per distanziarsi da ogni rischio di dogmatismo. Mezzo secolo più tardi, questo video indaga le implicazioni dell’iper relativismo e del distacco ironico nella creazione del fenomeno della post verità, soprattutto in un contesto di overload informativo come quello attuale. Ripercorrendo le maggiori teorie cospirazioniste occidentali, mentre un performer invisibile si muove lungo una catena di sinonimi che collegano due termini dal significato opposto, lo spettatore è trascinato in una spirale di crescente indeterminatezza e inquietudine.

Video realizzato per la mostra “Odio tutti” alla Arman Galstyan Gallery di Varsavia.

Porto Badisco si trova nel basso Salento ed è uno dei luoghi più esposti ad Est dell’intera penisola. Da sempre gode di una forte valenza emotiva per gli abitanti dei paesi vicini e per chi lascia la propria terra per esplorare nuove mete; la luminaria, simbolo cardine della tradizione folkloristica del meridione italiano, si insedia all’interno di questo luogo apparentemente incontaminato come conferma del grande attaccamento che il popolo nutre nei confronti delle proprie tradizioni, dalle quali difficilmente prende le distanze. La ripresa è lenta, quasi immobile, come una immagine fotografica, rispecchiando l’atmosfera del luogo, i ritmi di vita dei piccoli centri limitrofi, che a volte risultano logoranti, specialmente d’inverno, quando l’aerea salentina pare dimenticata da tutti e torna ad essere popolata unicamente dalla gente locale. Finis Terrae come “confine della terra”, come “terra estrema”, dove pare non ci sia altro, dove ci si ferma a meditare, a contemplare le acque del mare, dove vi si fa ritorno dopo un lungo viaggio per sentirsi di nuovo a casa. Il video è parte integrante dell’omonima ricerca fotografica, divenuta nel corso del tempo studio approfondito sul territorio e sul rapporto intrinseco che esso crea con chi lo abita sin dalla preistoria.

Una dilatazione del tempo fotografico: una serie di riprese con fotocamera fissa si susseguono catturando frammenti di vita quotidiana, dove il passare del tempo si disgrega rendendosi impercettibile. Il suono prelevato dalla realtà conserva una natura illusoria che si sovrappone all’immagine generando ulteriore ambiguità. La visione onirica suggerita racconta un viaggio enigmatico, interpretabile nuovamente dagli occhi di chi guarda, una narrazione inconscia impregnata di memoria. I video-immagine realizzati con l’ausilio di un telefono cellulare, si pongono come un diario visivo in netto contrasto alla velocità di rappresentazione fornita dal mezzo. Videogrammi si sofferma sul significato di attenzione e osservazione, azioni capaci di far emergere anche ciò che è invisibile.

Align Properties (2020) dell’artista americana Alice Bucknell, è un video essay in due parti che esplora l’interconnessione tra wellness capitalism, spiritualità new age e big data in tempi di crisi. Prendendo come punto di partenza Align, un’app di incontri ormai fallita che basava il proprio algoritmo su segni zodiacali, Align Properties ne immagina la rinascita come nuovo business immobiliare con base in Inghilterra e rivolto a millennial in cerca di una vita di lusso in sintonia con l’astrologia. Immaginando una comunità utopica basata sui principi dell’astrologia pop, facilitata da Internet e social media, Alice Bucknell realizza la prima parte del video ispirandosi alle strategie di marketing di sviluppatori immobiliari già esistenti a Londra. La seconda parte di Align Properties è un saggio visivo che esplora l’astrologia pop e come questa sia al centro dello sviluppo degli algoritmi e dei big data su cui si basano alcune app di incontri. Attraverso un’aspra critica del tema, Alice Bucknell intende sottolineare quanto sia semplice riuscire ad alterare le relazioni tra gli utenti che utilizzano queste app.

Realizzato nel 2019, Spirit Corp. dell’artista inglese Sian Fan (Regno Unito, 1991) è un’oscura esplorazione della fissazione umana con la tecnologia: in un futuro oscuro e distopico, l’artista si ritrova riprodotta in una dimensione intermedia tra realtà e digitale, come ricodificata in un’entità virtuale all’interno del cyberspazio. Esplorando la propria nuova forma, si ritrova a lottare contro un liquido scuro come inchiostro, che finisce per assorbirla nelle proprie profondità. Una lotta metaforica tra le sue due forme, digitale e umana, che si dimostrano essere incompatibili. Spirit Corp. è stato commissionato dalla BBC e creato con il supporto di Screen South e dell’Arts Council England. È andato in onda su BBC4 come parte di Get Animated ospitato da Ali Plumb.